“Je ne suis pas, à proprement parler, fou » – Van Gog
La remarque perspicace, souvent citée, dans sa lettre du 22 mars 1889 à son frère Théo d’Arles, est plus précisément : « Pour autant que je puisse en juger, je ne suis pas fou, strictement parlant ». Paul Gachet, qui dirigeait un sanatorium et était également peintre, hébergea Vincent dans son établissement d’Auvers-sur-Oise, près d’Arles, à cette époque. Il encouragea l’artiste dans l’idée romantique, alors courante, que sa maladie mentale et sa vie tourmentée étaient les signes extérieurs de son génie. Il n’y avait guère d’autres moyens disponibles à l’époque pour aider les malades
Durant la seconde moitié du XIXe siècle, les sanatoriums ressemblaient généralement à l’établissement du Dr Downward dans Armadale, le roman de Wilkie Collins de 1866. Equipés d’appareils galvaniques et de systèmes de traitement électrique des troubles nerveux, les propriétaires se donnaient beaucoup de mal pour éviter que leurs établissements ne soient qualifiés de « madhouses » (maisons de fous).
Van Gogh avait une prédilection pour les boissons fortes, les femmes faciles et, croit-on, l’utilisation imprudente de couleurs à l’huile à base de blanc de plomb toxique. Un établissement similaire à Arles ne pouvait guère aider à empêcher la mort de Vincent, 37 ans, de ses propres mains.__
Aujourd’hui, les artistes sont plus prudents dans leur manipulation des produits chimiques et, pour des raisons de santé et de sécurité, fument moins et découragent les visiteurs de fumer dans l’atelier d’un peintre. Les risques élevés pour la santé liés à la présence permanente d’huiles, de vernis, de diluants et de couleurs à base de solvants toxiques et inflammables sont, en général, connus de tous les artistes. Les risques sont toujours présents, en particulier pour les couleurs que l’artiste utilisera sous forme de poudre. Elles sont couramment appliquées dans la peinture à fresque et dans la création de céramiques. Les pigments d’artistes finement broyés à base de métaux lourds sont destructeurs pour le système nerveux, car ils sont inhalés lorsqu’on fume ou absorbés par la peau. Les pigments tueurs classiques étaient déjà reconnus au début du XVIIIe siècle. [1] Ils étaient essentiellement à base de plomb. Le blanc de plomb, le rouge de plomb, le blanc d’écaille, le jaune et l’orange de chrome de plomb et le jaune de Naples (antimoine).
Rembrandt van Rijn est un artiste qui s’est consciencieusement enregistré dans des autoportraits dès ses premiers pas pour s’établir comme peintre indépendant à Leyde, sa ville natale.
Rembrandt âgé, entouré d’amis. Sanguine, graphite et aquarelle sur carton.
Ses tableaux de lui-même ont continué à se succéder tout au long de son apothéose en tant que portraitiste le plus recherché de la ville à la mode d’Amsterdam, jusqu’à ses dernières années, modestes et frugales, passées dans le quartier juif à loyer modéré au 4, rue Breestraat.
Ce qui vous bouleverse, c’est le contraste entre les autoportraits d’avant ses malheurs et les tableaux réalisés à la fin de sa vie, où l’on peut constater le degré rapide de sa dégradation physique. Cette période correspond au déclin de sa fortune personnelle et commerciale, à la faillite et à l’inventaire officiel de ses biens réalisé en 1656, et les années suivantes.
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| Rembrandt van Rijn, 1652 Grand autoportrait. L’artiste était au sommet de son art mais au bord du désastre financier. Huile sur toile, 112 x 81,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienne. | Rembrandt, 1669 Autoportrait. L’un des derniers tableaux que le maître hollandais est connu pour avoir achevé. Huile sur toile, 63,5 x 57,8 cm. Mauritshuis, La Haye. |
On observe une progression parallèle dans les peintures de JMW Turner, passant du style cartographique de ses premières aquarelles topographiques à l’heureuse confusion de la toile de 1844 de la London National Gallery, Rain, Steam and Speed-The Great Western Railway, où la perspective aérienne, les effets atmosphériques et les taches de couleurs lui donnent un caractère sauvage et [un manque de clarté]. Sa technique révolutionnaire a déstabilisé ses collègues académiciens royaux et ses contemporains, en général, ont fortement critiqué cette méthode de peindre peu orthodoxe. C’est sans parler de ses carnets de croquis, de ses dessins et de ses études sur les couleurs que le monde de l’art a, pendant des décennies, considérés comme des notes sauvages. Pour John Ruskin, le Boswell de Turner, ses œuvres ultérieures n’avaient qu’une valeur biographique, et les peintures à l’huile et les aquarelles réalisées dans ce style libre et très calligraphique étaient les preuves physiques montrant comment la santé de l’artiste, sans parler de sa vue et de son intellect, s’était gravement détériorée à partir de 1845.
William Hogarth, l’artiste peintre anglais du XVIIIe siècle, s’est trouvé en grave danger physique à cause de son art lorsque, avec un groupe de collègues artistes, dont Thomas Hudson, il a profité du traité de paix d’Aix-la-Chapelle pour visiter Paris. Alors qu’il anticipait à Calais le bateau qui devait le ramener en Angleterre, Hogarth fut arrêté par les autorités qui le soupçonnaient d’être un espion anglais. On l’a observé en train de dessiner, peut-être à des fins militaires, la porte du port et le pont-levis. Le gouverneur de Calais, cependant, se rendit compte qu’il avait un artiste éminent devant lui et finit par libérer William Hogarth afin qu’il puisse poursuivre son voyage de retour en toute sécurité.
Les sympathies mercantiles de Hogarth ont provoqué son aversion pour les Français, d’autant plus que les acheteurs d’art anglais préféraient les peintres français au produit local. A la longue, il a pris sa revanche sur cette atteinte à sa dignité. Dès son retour au pays en 1748, il a converti les dessins qu’il avait faits à Calais en une toile à l’huile montrant une côte de rosbif livrée, sous garde armée, à une taverne anglaise de Calais, le Lion d’Argent, regardée avec envie par des soldats français affamés et un mercenaire écossais épuisé.
William Hogarth, Huile sur toile, signée et datée de 1749, 94,5 x 78,5 cm. Connue sous le nom de, The Roast Beef of Old England, ou encore The Gate of Calais. Tate Gallery, Londres.
Monet avait 65 ans en 1905 lorsqu’il a commencé à remarquer qu’il voyait les couleurs moins intensément qu’auparavant, un problème sérieux pour un peintre impressionniste où l’œil est tout ce qui compte. Au cours de la décennie suivante, il est devenu évident que sa perception défaillante des couleurs était due à des cataractes qu’il avait contractées dans ses deux yeux.
Le traitement de la cataracte était à l’époque une procédure très douloureuse et pénible, dont l’issue était souvent douteuse. Cependant, à l’âge de 82 ans il a finalement admis qu’il n’y avait pas d’alternative et a accepté qu’un de ses yeux soit opéré. À la fin de l’opération, l’artiste a été contraint de passer des semaines allongé, immobile, dans le noir, les deux yeux couverts de bandages.
Après l’opération, Monet a pu continuer à travailler avec succès les années suivantes, tout en faisant quelques compromis avec son environnement : il a utilisé des lunettes et a évité le soleil en portant un grand chapeau de paille à l’extérieur. Ses tableaux ultérieurs sont devenus de plus en plus abstraits, avec de grandes zones de couleur qui les faisaient ressembler à ceux de feu Willem de Kooning.
Claude Monet s’inscrit dans la tradition de ces maîtres antérieurs, du Titien à Walter Sickert en passant par Rembrandt et Turner, qui ont adopté ce style dans leurs dernières années. Il est toujours possible que certains de ces artistes aient accepté la même maladie dont Monet souffrait et l’aient transformée à leur avantage, créant ainsi des œuvres d’art uniques.
Maurice Utrillo était le fils de l’artiste Suzanne Valadon, alors modèle d’artiste de dix-huit ans qui avait posé pour Berthe Morisot, Renoir, Toulouse-Lautrec, Puvis de Chavannes et Degas, autrement dit, la crème du milieu artistique parisien de la Belle Époque. Il a été confié à des nourrices (des gardes d’enfants) et largement laissé à lui-même. Utrillo a montré tôt des signes d’instabilité mentale, aggravés par l’alcoolisme qu’il avait développé en tant qu’écolier. À la manière des enfants attirés par des compagnons fragiles et faibles, il était tourmenté et malmené par ses camarades de classe. Étudiant généralement indolent, il était néanmoins primé en mathématiques. On a tendance à considérer qu’Utrillo a vécu une enfance pauvre et sans amour. Cependant, le talent artistique de Suzanne Valadon lui a assuré une prospérité financière et son mariage avec un riche agent de change, Paul Moussis, en 1896, alors qu’Utrillo avait treize ans, lui a permis de fréquenter de bonnes écoles privées parisiennes.
Son alcoolisme et, comme van Gogh, son penchant pour l’absinthe, se sont aggravés à mesure qu’il atteignait la maturité. Utrillo s’est lancé dans la création de paysages en 1904, encouragé par sa mère qui était devenue une peintre professionnelle reconnue. Comme van Gogh, il a régulièrement passé du temps dans des institutions pour malades mentaux – sa mère l’a fait brièvement interner au sanatorium Sainte-Anne à Neuilly. Cette situation et l’alcoolisme ont créé des obstacles à son développement artistique, mais sa spécificité et sa qualité de peintre ont néanmoins émergé. Le gouvernement français a reconnu officiellement son importance en tant qu’artiste en lui décernant la Croix de la Légion d’honneur en 1920.
Toujours fragile mentalement, Utrillo finit par constituer un cercle de parents et d’intéressés qui, attirés par sa réussite financière, l’encouragèrent à augmenter constamment sa production de vues de la butte Montmartre, quartier de Paris dans lequel il s’est spécialisé. Ces vues étaient souvent inspirées ou copiées de cartes postales montrant des scènes pittoresques de Paris. Inévitablement, on se souvient des tableaux ultérieurs de l’artiste de la Renaissance Pietro Perugino ; ses toiles ultimes étaient souvent des pastiches ou un recyclage négligent de ses œuvres antérieures. Des œuvres similaires d’Utrillos des derniers temps sont encore disponibles aujourd’hui sur la place du Tertre près du Sacré Cœur. Il est intéressant de noter que la détérioration de la production artistique d’Utrillo n’a pas été causée par son instabilité mentale ou son alcoolisme, mais plutôt par sa notoriété internationale.
Suivant la tradition de l’instabilité mentale, de l’alcoolisme et des rapports difficiles avec les femmes de van Gogh et Maurice Utrillo, on trouve leur contemporain proche, Edvard Munch. Né en Norvège en 1863, dans une famille qui souffrait d’instabilité mentale et d’une mauvaise santé physique, il était un artiste capable de canaliser ses crises de dépression, ses névroses, ajoutées à une enfance plus que dépressive et marquée par la mort, dans une forme d’art universellement reconnue comme le précurseur de l’expressionnisme.
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