LA BLONDE ODALISQUE
Des fragments d’art malveillant survivent au même titre que les peintures sur vase rouge-arctique de la Grèce classique, les tombes étrusques de Tarquinia et les fresques pompéiennes. Les artistes de la Renaissance italienne peignaient des sujets grossiers pour satisfaire le marché lucratif des collectionneurs privés. Cette tendance a été encouragée par la redécouverte de l’art grec et romain classique et par la nudité agressive des figures masculines et féminines de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine.
Saint Sébastien fut un jeune noble chrétien appartenant à un régiment spécialisé dans le tir à l’arc. Il fut condamné à mort, en raison de sa foi, par des collègues officiers commandés par l’empereur Dioclétien. Le saint était la figure préférée des amateurs de la Haute Renaissance qui aimaient contempler les toiles d’un beau jeune homme représenté en pied, nu, attaché à un arbre avec son corps transpercé de flèches et discrètement contraint.
Que les thèmes de Saint Sébastien soient aussi persistants dans l’art de la Renaissance italienne et aussi admirés par les touristes masculins, voilà qui a déconcerté un innocent voyageur anglais de la Rome du XIXème siècle. Oscar Wilde était l’un de ces enthousiastes. Il appartenait à un groupe d’intellectuels contemporains qui encourageaient le culte de Saint Sébastien ; c’est probablement pour cette raison que le saint est considéré, officieusement, comme le patron des homosexuels.
La Contre-Réforme y met rapidement un terme avec la décision prise au Concile de Trente en 1564, qui décourage la représentation du nu dans l’art. Le chef-d’œuvre de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine a à peine échappé à l’iconoclasme qui a suivi. Un an plus tard, alors que Michel-Ange était déjà mort, le Vatican a chargé Daniele da Volterra de peindre des pantalons aux personnages nus du Jugement dernier. Six mois plus tard, lorsque le pape est mort subitement, le Vatican a dû interrompre les travaux de finition de Volterra afin de mettre la chapelle Sixtine à disposition pour l’élection du nouveau pape. L’échafaudage n’a jamais été réinstallé et l’artiste a abandonné le projet. Cela ne l’a cependant pas dispensé d’acquérir une notoriété durable pour avoir peint des pantalons aux nus du chef-d’œuvre de Michel-Ange. Son surnom, parmi ses collègues artistes, est devenu Il Braghettone (le grand peintre de pantalons).
Dans l’Angleterre victorienne, au lieu de » culottes « , les peintres ont commencé à peindre des chemises de nuit. Dans l’esprit de leurs prédécesseurs du XVIème siècle, les peintres ont peint des robes de chambre sur des parties de nombreux tableaux de la Renaissance représentant la Sainte Famille, dans lesquels l’Enfant Jésus était représenté nu. Ce fut une brève période iconoclaste au cours de laquelle un aspect important de l’iconographie chrétienne s’est perdu : le concept d’homme né du Christ et représenté comme un enfant nu.
Votre correspondant, lorsqu‘il était chef de l’atelier de restauration de la National Gallery of Ireland, a rencontré de nombreux exemples de tels changements dans les tableaux de l’époque victorienne. Heureusement, au XIXème siècle, ces tableaux étaient généralement recouverts d’épaisses couches de vernis ancien noirci sur lesquelles les artistes victoriens peignaient leurs vêtements de nuit. La peinture antique a protégé les couleurs originales des œuvres d’art des dommages causés par la peinture, ce qui a facilité l’élimination de ces altérations. La peinture victorienne a, par inadvertance, protégé les couleurs d’origine de la pollution de l’air. Ainsi, les tableaux, après restauration, ont révélé leur beauté jusqu’alors cachée.
Michel-Ange, némésis, ‘Il Braghettone’, Daniele da Volterra, artiste Manneriste
Léonard de Vinci s’est installé à Amboise en 1516, alors que le centre de gravité du monde de l’art se déplaçait vers la France, où les peintres pouvaient adopter une approche plus insouciante de l’art. La présence impressionnante de Léonard de Vinci et de nombreux artistes maniéristes italiens travaillant au palais de Fontainebleau au XVIème siècle a introduit en France la Renaissance et un style pré-réformiste plus décontracté. L’école de Fontainebleau soutient un type singulier de beauté féminine, de figures hautes, fines, à petits seins, modelées dans les poses baroques de Michel-Ange.
Plus tard, les femmes robustes de Peter Paul Rubens ont trouvé grâce aux yeux des peintres français après l’avoir vu à l’œuvre lorsque, en 1625, lors d’une visite à Paris, il a peint le Cycle de Marie de Médicis et Henri IV, son mari. Le tableau est maintenant au Louvre.
Rubens a influencé les artistes français dont le peintre rococo François Boucher, jusqu’en 1700. Boucher a incarné la liberté artistique et le concept français de beauté sous le règne de ses mécènes, Louis XV et Madame de Pompadour. Il préférait les modèles mineurs voluptueux dans des tableaux qui contenaient bien plus qu’un soupçon d’érotisme. L’Odalisque blonde représente le nu du modèle irlandais Marie-Louise O’Murphy qui n’avait que 14 ans à cette époque. Vers 1750, lorsque Boucher acheva le tableau, Louis XV acheta une somme considérable Miss O’Murphy pour en faire son amante. Le dessin préliminaire du tableau, fait de craie rouge et blanc et de crayon de plomb sur papier, montre O’Murphy nue, étendue sur le ventre sur une méridienne. Le dessin a été acheté en 2007 par la National Gallery de Dublin.
La Révolution française a créé des peintres tels qu’Édouard Manet, qui était libéré de la main morte de la tradition académique, du monopole de cette dernière sur le marché de l’art, des règles sur ce qui était le bon sujet, de l’artisanat et de la finition d’un tableau et, enfin et surtout, des notions académiques de beauté idéale. Bien que membre à part entière de l’establishment politique français, le style d’avant-garde de Manet s’inscrit sciemment en faux contre cette tradition. Le précurseur des impressionnistes stupéfia les Français, se moquant des modèles idylliques que l’on s’attendait à trouver dans les tableaux du Titien ou de Poussin et que le passage du temps avait sanctifiés. Ceci est illustré dans son grand tableau de 1863, Le Déjeuner sur l’Herbe. La toile montre une femme nue qui prend un bain de soleil dans une clairière en forêt en compagnie de deux hommes habillés et d’une autre femme, habillée elle-aussi en arrière-plan. La femme regarde le spectateur sans vergogne et avec effronterie.
Les audacieuses cartes postales de la mer publiées par l’artiste anglais Donald McGill avec leur humour un peu risqué ont connu un grand succès entre 1904 et 1962. Ils étaient destinés aux nouvelles filatures de coton du Lancashire, récemment émancipées et aux ouvriers de l’usine de Manchester pour leurs deux semaines de vacances annuelles durement gagnées à Blackpool, au bord de la mer. Cependant, la censure d’État était toujours en vigueur. En 1954, le Premier ministre britannique Harold MacMillan a utilisé la loi de 1857 sur les publications obscènes victoriennes pour poursuivre et sanctionner McGill d’une amende de 50 livres. Cette décision a accéléré la disparition de l’art des cartes postales britanniques. Braghettone n’était pas mort, en fait, il est réapparu, montrant qu’il était toujours présent dans les milieux politiques de Rome.
‘La vérité dévoilée par le temps’ est une œuvre, une version du tableau vénitien Giambattista Tiepolo qui vécu au XVIIème siècle. La grande toile montre une jeune femme légèrement habillée, montrant son sein droit bien développé. La femme représente la ‘Vérité’, couchée dans les bras d’un vieil homme à la barbe blanche, qui représente le ‘Temps’. Le tableau a servi de toile de fond aux conférences de presse du Premier ministre Silvio Berlusconi à Rome.
Apparemment, jugeant nécessaire d’éviter d’associer le Premier ministre italien de l’époque, Silvio Berlusconi, à un sein nu de femme, en août 2008, son entourage, afin de cacher le mamelon de la Vérité, a repeint le sein d’une nouvelle couche de couleur. Le porte-parole de Berlusconi a justifié à contrecœur la libre censure au motif que, après tout, le tableau n’était pas l’original ; même Antonio Paolucci, alors directeur des Musées du Vatican, une institution qui n’est pas dépourvue de tableaux et de statues d’hommes et de femmes nus, a admis être perplexe devant cet étrange acte de vandalisme.
François Boucher, La blonde Odalisque ; modèle irlandais de 14 ans,
Marie-Louise O’Murphy, ca, 1752, 59 cm x 73 cm, huile sur toile,
Munich Alte Pinakothek,]